Krimis sind DIE Bestseller schlechthin. Jedes vierte in Deutschland verkaufte Buch dreht sich um Mord, Spannung und Nervenkitzel. Keine Stadt ohne eigenen TV-Kommissar, jede noch so kleine Region braucht einen Mord im Vorabendprogramm – es grassiert die Lust am Miträtseln und kollektivem Gruseln. Die Faszination an den menschlichen Abgründen ist uns jedoch bereits in die „Kulturwiege“ gelegt. Steckt doch beispielsweise die Literaturgeschichte von Beginn an voller Verbrechen: Paradiesapfeldiebstahl, Brudermord, etwas später ist auch in der Antike Mord und Totschlag Grundlage jeder Tragödie. „Miss Marple“, „Hercule Poirot“, „Arsène Lupin“, „Wallander“, um nur einige zu nennen, haben längst Legendenstatus. Das Interesse an den dunklen Seiten der menschlichen Natur bleibt daher ungebrochen groß. Das Interesse an der Psyche, die uns alle erst zu Menschen macht. Und die, wenn sie defekt ist, uns Menschen dazu bringt, furchtbare Dinge zu tun. Die Fähigkeit, anderen Leid zuzufügen, ist dem Menschen doch eigen. So ergeht es meiner Ich-Erzählerin im vorliegenden Lied-Album.
Das Tötungsdelikt an ihrer Rivalin, eine Variante einer Beziehungs-und Konflikttat, ausgelöst durch übermächtige Eifersucht, durch den Kontrollverlust der negativen Seiten in ihrem Selbst, dieser dunklen Kraft, die sie in einem drastischen Moment überkommt und mitreißt.
Nun muss sie mit dieser Tat leben. Einer Tat, die mit ihrem Gewissen nicht vereinbar ist, die sich anfühlt, als hätte sie ein fremder Teil in ihr begangen. Fragen wie „Das kann ich doch gar nicht gewesen sein!“, „Wie war das möglich?“ stürzen die Täterin in den Wahnsinn. Aber ist es tatsächlich so geschehen? Was war hier nun Wirklichkeit, was Wahn?
Oder hatten wir nicht alle schon einmal Mordgedanken?

Auf der Suche nach geeigneten Stücken für meine Idee eines anspruchsvollen klassischen, dabei abwechslungsreichen Liederabends, der zudem eine zweite Ebene in Form einer dramaturgisch stringent erzählten, neu zusammengesetzten (Crime)Geschichte bildet, habe ich mich quer durch den Repertoireschatz deutscher Liedkunst gewühlt.
Neben liebgewonnenen „Klassikern“ stieß ich bei meinen „Ermittlungen“ auch auf so manche, weniger oft gehörte Kostbarkeiten.

Backcover & Playlist

Das Jahr 1919: Ein Punkt in der Zeit, europäische Länder, eine junge Frau, ein junger Mann und ein älterer Herr. Das ist das musikalische Triptychon, das Marion Leleu und der Pianist Bertrand Giraud, der den wunderbaren Flügel Opus 102 von Stephen Paulello spielt, für ihre CD ausgewählt haben.

Diese drei Komponist:innen könnten verschiedener nicht sein, sowohl was ihre gesellschaftliche Situation, ihre geographische Herkunft als auch was ihre psychologische Verfassung anbelangt. Dennoch verbindet die drei ihre Inspiration und ihr musikalischer Einfallsreichtum, was mich von Anfang an bei diesem Projekt fasziniert hat.Wie die Wellen des Meeres meiner Heimat, der Bretagne, kommen und gehen ihre melodischen Phrasen, entwickeln sich, entfalten eine ungeheure Kraft, explodieren letztlich oder beruhigen sich doch versöhnlich. Joseph Ryelandts Sonate op. 73 hat sie sofort in ihren Bann gezogen, und sie freut sich sehr, dieses Werk als erste aufzunehmen und die Partitur gemeinsam mit Bertrand Giraud in einer Neuausgabe herauszubringen. Diese Musik verdient es, besser bekannt zu werden, und sie hofft, dass sie bald zum romantischen Repertoire für Bratsche gehören wird. Die Sonate op.11/4 von Paul Hindemith ist wie ein Fluss oder eine Reise, und obwohl die Spieldauer nicht sehr lang ist, kann man sich wie bei einem Marathon fühlen und es bleibt eine ständige Herausforderung für die Künstler. Das letzte Werk, die Sonate von Rebecca Clarke, ist ein notwendiger und bewegender Aufruf, ihren weiblichen Nachfolgern mehr Sichtbarkeit und Freiheit in der Welt der Musik zu bieten.
Marion Leleu: “Dieses Werk zu spielen, ist wie eine Rückkehr zur Quelle der eigenen Gefühle als Musiker.”

Daniel Gubelmanns lyrischer Saxofon Sound ist sein Markenzeichen und steht im Zentrum seiner Band „Five on Fire.“ Im Jahr 2013 erfolgte die Fusion mit einem Streichquartett. Jetzt wurde der Rahmen noch einmal ausgeweitet: Auf dem aktuellen Album „Eternal Movement“ musizieren „Five on Fire“ mit einer großen Streicherbesetzung des renommierten Musikkollegiums Winterthur.

Brückenschläge zwischen Jazzcombos und „klassischen“ Ensembles haben eine lange Tradition, seit im Jahr 1954 der Bebop-Pionier Charlie Parker mit Streicherklang auf Tuchfühlung ging. Die Faszination solcher Verbindungen ist ungebrochen. Mit der Möglichkeit, die eigene Band mit einem großen Streichorchester interagieren zu lassen, ging für Daniel Gubelmann ein Traum in Erfüllung. Zu verdanken ist diese Kooperation vor allem dem Sender SRF 2 Kultur, der die Aufnahme in der Stadthalle Winterthur möglich machte. Kompositorisch bezieht sich Daniel Gubelmann unter anderem auf jenen „Third Stream“, mit denen Jazzer wie Gunter Schuller seit den 1950er-Jahren formale Konzepte entwickelten, um willkürliche Grenzen zwischen Jazz und Klassik durchlässig zu machen. Wenn „Eternal Movement“ wie eine mehrsätzige sinfonische Suite mit Jazzimprovisationen daherkommt, standen auch Musiker wie Stand Getz oder Eddie Sauter Pate, die für so eine Praxis Vorbilder lieferten. In jedem Moment sind auf „Eternal Movement“ das Streichorchester dem Jazzquartett gleichgestellt und teilen sich die solistischen Aufgaben. Die Titelgebung „Eternal Movement“ zeugt vom Anspruch des Saxofonisten und Komponisten aus Winterthur, groß zu denken. Es geht um den subjektiven Blick aufs ganze Leben, realisiert in einer sinnlichen Musiksprache, die viel aus dem Leben des schweizerischen Saxofonisten erzählt: Sehr prägend für ihn war dessen Zeit in Buenos Aires, wo er bei Daniel Hector Montes studiert hat. Das Stück „Preludio de Buenos Aires“ zieht hinein ins unvergleichliche Kolorit der argentinischen Hauptstadt.

Einige der Sängerfreunde von Jean-Nicolas Diatkine haben ihre Karriere beendet, aber ihr Zauber ist in seinen Augen, oder besser gesagt in seinen Ohren, unersetzlich. Er vermisse sie, genauso wie er die Lieder von Schubert, Schumann und Brahms vermisst, die sie gesungen haben. Nun, es gibt nur einen Menschen, der diesen Verlust ausgleichen kann, und der heißt Franz Liszt.

Die Hauptidee der Transkriptionen bestand auch darin, die Orchesterwerke einem breiteren Publikum bekannt zu machen, zu einer Zeit, als es viel weniger Orchester gab und der öffentliche Zugang zu Sinfoniekonzerten sehr begrenzt war. Doch Liszt gibt den Transkriptionen eine neue Bedeutung: Er holt das Orchester ins Klavier, denn sein Stil eignet sich besonders gut für übermäßige Extravaganz. Damit eröffnet er ungeahnte pianistische Möglichkeiten, bei denen Virtuosität nicht mehr bloßer Exhibitionismus ist, sondern sich in die Kunst der Illusion verwandelt. Seine Bearbeitungen von Wagner sind so überzeugend, dass sie zu seinen persönlichen Schöpfungen werden.

Laurent Bessières, Klavierstimmer der Pariser Philharmonie, schlug für diese Aufname einen Schiedmayer-Flügel aus dem Jahr 1916 aus Stuttgart vor, den er in Zusammenarbeit mit Antoine Letessier-Salmon, dem Direktor des französischen Nationalen Zentrums für wissenschaftliche Forschung, und Stephen Paulello, Klavierbauer und Erfinder der nach ihm benannten Saiten, komplett umbauen ließ. Dieses Instrument wurde so gut wie nie in Konzerten eingesetzt, und die hervorragende Arbeit von Laurent Bessières hat uns davon überzeugt, es in diesem sehr speziellen Repertoire auszuprobieren.

Die Querflöte ist als Orchesterinstrument bekannt und wird auch häufig in der Kammermusik eingesetzt, aber man kennt sie nur wenig als Solo-Instrument. Olga Reiser hat sich vorgenommen, die Querflöte populärer zu machen! Die CD “Flute Tales” umfasst die ganze Bandbreite der Musik für Soloflöte aus dem Barock, der Klassik und Romantik, sowie Stücke mit moderner Spieltechnik wie die bereits genannten Beatbox Flute, Multiphonics und Improvisation. Besonderer Schwerpunkt der musikalischen Gestaltung sind hierbei Experimente mit einer Loopstation, die Töne aufnehmen und in einer Dauerschleife abspielen kann, wobei vor den Augen der Zuhörer mehrstimmige Musik live entsteht.

Der nun als Single erscheinende Song “Visions” präsentiert Altflöte in Kombination mit Loopstation. Das Stück hat Olga Reiser während der Pandemie mit der Hoffnung auf die Rückkehr in ein normales Leben komponiert. Dies waren ihre Visionen und Erwartungen auf eine Normalität, die sich nun im Grunde als noch ungewisser darstellt, als man damals ahnen konnte.

Eine der größten Neuerungen der Barockmusik ist zweifellos der Generalbass, über den Bach selbst schrieb: „Der Generalbass ist die ganze Grundlage der Musik, er wird mit beiden Händen gespielt, so dass die linke Hand die geschriebenen Noten spielt, während die rechte Hand Konsonanzen und Dissonanzen hinzufügt, wodurch eine angenehme Harmonie zum Lobe Gottes und zum berechtigten Vergnügen der Sinne entsteht. Weil es den Basso continuo gibt, kann sich die Melodie in ihrer ganzen Fülle entfalten und erhält jenes schillernde Relief, das für die barocke Ästhetik so charakteristisch ist.

Die große Mehrheit der Stücke sind „Präludien“, d. h. sie warten auf eine Fortsetzung: meist ein gesungener Choral, dessen Thema sich im Präludium wiederfindet, das dazu dient, der Versammlung den Ton zu geben; diese Gesänge wurden während lutherischer Feiern gesungen. Und sie fehlen, weil wir uns auf das Instrumentale konzentriert haben. Bach und seine Komponistenkollegen haben ein wenig dazu beigetragen, da sie uns Instrumentalwerke hinterlassen haben, die die Seele direkt berühren und die für sich selbst zu stehen scheinen.

Die Stücke auf dieser CD stammen hauptsächlich aus zwei Sammlungen von Bachs Werken: dem dritten Teil der Clavier-Übungen und den 18 großen Präludien für Orgel.