Poèmes sind Grenzgänger zwischen Sprache und Musik. Was zuvor meist Lied genannt wurde, heißt seit etwa 200 Jahren oft Gedicht oder Poème: Richard Wagner hat seinen Wesendonck-Liedern den Titel Fünf Gedichte für Frauenstimme und Klavier gegeben, und Francis Poulenc hat etwa 30 Poèmes für Singstimme und Instrumentalbegleitung komponiert.

Wie beim Lied, das es auch ohne Worte gibt (Mendelssohn-Bartholdy), muss einem Poème nicht zwangsläufig ein Text zugrunde liegen. So hat Alexander Skrjabin Anfang des 20. Jahrhunderts 20 Poèmes für Klavier solo komponiert.

Eva-Maria May und Klaus Kämper konzertieren seit vielen Jahren miteinander. Inspiriert von den klanglichen Möglichkeiten, die sich aus der Verbindung Cello-Klavier ergeben, erspüren sie in Konzerten, wie z. B. in der Nymphenburger Konzertreihe „m u s i k  &  p o e s i e“ (zusammen mit der Schauspielerin Jovita Dermota) und den „Concerts lecture“ im Institut Francais/München die vielfältigen Bezüge von Musik und Literatur. Nicht nur die Sonaten von Johannes Brahms, Franz Schubert (Arpeggione-Sonate), Claude Debussy, Francis Poulenc und Dimitri Schostakowitsch gehören zu ihrem Repertoire, sondern auch viele eigene Bearbeitungen von Liedern aus allen Epochen.

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Die Werke dieser Einspielung spannen einen Bogen von Danzig über Güstrow, Hamburg, Gottorf bis nach Kopenhagen und Stockholm. Die Kantoren und Kapellmeister hatten an den lutherischen Kirchen und Höfen des Nordens ideale Arbeitsmöglichkeiten. Als geistiger Übervater dieser zu Anfang des 17. Jahrhunderts geborenen Komponisten ist Heinrich Schütz zu sehen. Durch seine Lehrtätigkeit und durch die große Zahl seiner veröffentlichten Werke hat er die nachfolgende Generation über alle Maßen geprägt.

Wenn Scirocco, der heiße Wüstenwind, Grenzen und Küsten überschreitet und bis in norddeutsche Gefilde vordringt, dann trägt er mediterranes Temperament zu nordischer Melancholie, umschmeichelt warm, wo sonst nur die hanseatisch-steife Brise weht, würzt Küstennebel mit fremdländischen Aromen. Seine musikalische Inkarnation findet er im Ensemble Schirokko Hamburg: Gegründet 2007, setzt es sich aus MusikerInnen zusammen, die an bedeutenden internationalen Ausbildungsstätten für Historische Aufführungspraxis — in Trossingen, Bremen, Würzburg, London und Amsterdam — studiert haben. Unter der Leitung der Konzertmeisterin Rachel Harris verbindet das Ensemble das versierte Spiel auf historischen Instrumenten oder deren Nachbauten mit stilbewussten, lebendigen Interpretationen.

Singen bedeutete für Beat Duddeck von Anfang an Sprache und Leben, Religion und Emotion. Er fand durch Gesang auf Konzertreisen in alle Welt und mehr als 100 CD-Produktionen mit verschiedensten Ensembles der Alten Musik nicht nur seinen Beruf, sondern auch Familie und Freunde. Ein wenig soll auch diese CD das widerspiegeln, welche ihm in ihrer Intimität ein Herzensanliegen ist.

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Der Kontrabass ist ein Instrument, das nur allzu leicht missverstanden werden kann und oftmals leichtfertig abgetan wird: Aufgrund seiner beeindruckenden Größe (unzählige Sketche machen sich über die schiere Unmöglichkeit des Transports eines solch furchterregenden Getüms oder Ungetüms lustig) werden ihm auch bloß behäbige, schwere, brummige Klänge zugetraut. Dass beiden urbanen Legenden nicht ein Fünkchen Wahrheit innewohnt, beweisen die Kontrabasssonaten des vorliegenden Albums wie der rumänische Kontrabassist Petru Iuga: Dem Instrument ist Musik ureigen, die alles andere als schwerfällig ist, es vermag sinnliche Melodien auszubilden, ihm stehen virtuose Ausdrucksformen ebenso gut zu Gehör wie nachdenkliche, und sein Spektrum erstreckt sich vom tiefsten grimmigen Brummen bis hin zum hellsten herzlichen Auflachen. Und es braucht (wie bei allen anderen Musikinstrumenten) einen fertig ausgebildeten, erfahrenen und aufmerksamen Interpreten, um dem Instrument all dies zu entlocken. – Ferner bedarf es eines Repertoires, das den Musiker wie das Musikinstrument fordert und zu Höchstleistungen beflügelt – dann erklingen selbst auf einem Kontrabass Sphärenklänge.

Der rumänische Kontrabassist Petru Iuga zählt zu den erfolgreichsten klassischen Musikern seiner Generation. Während seiner musikalischen Ausbildung in seinem Heimatland wurde der 20jährige Student von Yehudi Menuhin in Bukarest für die International Menuhin Music Academy in Gstaad (Schweiz) entdeckt. Man kann sich kaum einen engagierteren Fürsprecher für vernachlässigte und selten gespielte Komponisten vorstellen als den Pianisten Oliver Triendl. Sein unermüdlicher Einsatz – vornehmlich für romantische und zeitgenössische Musik – spiegelt sich in mehr als 100 CD-Einspielungen. Der Umfang seines Repertoires ist wohl einzigartig und umfasst etwa 90 Klavierkonzerte sowie Hunderte von kammermusikalischen Stücken. Viele davon hat er erstmals auf die Bühne gebracht bzw. auf Tonträger dokumentiert.

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ELMIRA DARVAROVA – GRAMMY®-nominiert, preisgekrönt (Goldmedaille bei den Global Music Awards in 2017 und 2018), Konzertgeigerin seit ihrem 4. Lebensjahr und vom American Record Guide als “wunderbar in der Tradition von Heifetz” geadelt, sorgte Elmira Darvarova für Furore, als sie die erste (und bisher einzige) Frau als Konzertmeisterin in der Geschichte der Metropolitan  Opera wurde. VASSILY LOBANOV (geb. 1947) ist nicht nur einer der größten russischen Pianisten seiner Generation (er war Klavierduo-Partner von Sviatoslav Richter), sondern auch ein prominenter Komponist, über den sein Lehrer Schnittke sagte: “Es gibt begabte Komponisten und es gibt begabte Pianisten, aber selten kommen diese beiden Talente in einem so brillanten Verhältnis zusammen wie bei Vassily Lobanov”. Seine SONATE FÜR VIOLINE UND KLAVIER “IN SIX FRAGMENTS”, op. 56 (Weltersteinspielung auf dieser CD), die dem großen Geiger Oleg Kagan (1946-1990) gewidmet ist, war ein Auftragswerk für das Glasgow Festival 1989, wo Kagan und Lobanov es uraufführten.

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Beim Programm dieser CD-Produktion achtete die Künstlerin gezielt darauf, den Weg zur musikalischen Sprache der Komponisten zu finden. Seit Jahren widmet sich Seung-Yeun Huh der Musik von Mozart, Liszt und Schubert um die menschlichen Seiten und das Leben der Komponisten mit ihrem Dasein zu verbinden und sie zu verinnerlichen. Eine grosse Herausforderung! Vor der deutschen Romantik hat die Künstlerin höchsten Respekt. Ganz vorsichtig und mit viel offenen Fragen wagte sie sich an Schumanns Werk. Seine Musik hielt sie in der speziellen Corona-Zeit gefangen. Mit viel Zweifel und Bewunderung tauchte die Künstlerin in diese Welt ein. Diese drei, hier auf einer CD vereinten, sehr kontrastreichen Werke haben doch etwas gemeinsam: Komplex und schlicht zugleich, in eigenen Gefühlen gefangen.

Seung-Yeun Huh, in Seoul, Korea geboren, studierte in Deutschland, England und in den USA. Sie gewann mehrere Preise bei internationalen Wettbewerben und konzertiert seither in den USA, in Asien und verschiedenen europäischen Ländern. Das 1996 gegründete Huh Trio (mit zwei ihrer Schwestern) feierte 2016 sein 20jähriges Bestehen. Weiter gründete Seung-Yeun Huh gemeinsam mit Klaidi Sahatçi, Violine, und Sasha Neustroev, Violoncello, das AOIDE Trio. Neben der Konzerttätigkeit ist Seung-Yeun Huh Prorektorin an der Musikschule Konservatorium Zürich und ausgebildete Kulturmanagerin.

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Die Neueinspielung beim Label Solo Musica „Promenade“ der Préludes op. 28 von Frédéric Chopin und der „Bilder einer Ausstellung“ von Modest Mussorgsky bringt zwei prominente und für das Oeuvre ihrer Schöpfer nachgerade emblematische Klavierzyklen zusammen. In der Gegenüberstellung zeigt die Pianistin Andrea Kauten das Verbindende bei allen erwartbaren Gegensätzen, welches weit über einige offensichtliche Bezugnahmen Mussorgskys auf Chopins Préludes hinaus geht.

Beide großdimensionierte Zyklen verbinden Miniaturen teils aphoristischen Charakters. Sie stehen in der Spannung zwischen europäischer Kunstmusik und den nationalen Einflüssen osteuropäischer und slawischer Traditionen. Vorderhand suchen sie verschiedene Lösungen. Der Kosmopolit Chopin schafft in Ablehnung jeglichen demonstrativen Patriotismus die nahtlose Integration seines polnischen Idioms in einen universell europäischen Ausdruck. Mussorgsky, als bekennender Postkosmopolit, besann sich nachdrücklich auf das Volkstümlich-Russische, das er offensiv allem „Westlichen“ entgegensetzte. Beide Komponisten finden dabei zu einer personalisierten Musiksprache, die bei freier Handhabung der Form die tradierte Harmonik durch gezielte Instabilitäten aufbrechen lässt. Beide treffen sich auf dem Weg in die Moderne. 

Wenn auch beiden Komponisten seelischer Exhibitionismus fremd war und die Werke nur mit äußerster Vorsicht zu den biographischen Momentaufnahmen ihrer Entstehungssituation in Verbindung gesetzt werden dürfen: Beide Zyklen stehen vor dem Hintergrund einer ebenso überraschend hereinbrechenden wie unerbittlichen Auseinandersetzung mit dem Tod.

Mit Leidenschaft, Musikalität und hohem technischen Anspruch entlockt Andrea Kauten einem Konzertflügel verhaltene, poetische, aber auch sehr ausdrucksstarke Klänge. Immer wieder überrascht sie so ihre Zuhörer: „Flushed and at times over-assertive, Kauten leaves you in no doubt of her commitment and intensity“, so Bruce Morrison in Gramophone.