Produktbeschreibung

Mit ihrer kristallklaren Stimme und ihrer sympathischen Ausstrahlung zählt Eva Lind zu den bekanntesten und beliebtesten klassischen Sängerinnen unserer Zeit. Die gebürtige Innsbruckerin stand bereits auf den großen Bühnen der Welt, wie der Mailänder Scala oder der Carnegie Hall in New York und hat mit Kollegen wie Luciano Pavarotti, Placido Domingo oder José Carreras das Publikum begeistert.

Mit dieser CD erfüllt sie sich einen lang gehegten Herzenswunsch und präsentiert auf Ihrem neuen Album „Bijoux“ die schönsten Kompositionen der französischen Liedkunst.

Dafür hat sie vier der größten französischen Komponisten ausgewählt – allesamt Großmeister dieser feinen, musikalischen Miniaturen. Jeder dieser vier Komponisten ist in seiner Art einzigartig: Jules Massenet, wie er mit seiner unglaublichen Emotionalität romantische Klanggemälde entstehen ließ; Gabriel Fauré, der wie kein Zweiter mit seinen Liedern besondere kaleidoskopische Innenwelten geschaffen hat; Claude Debussy mit seiner Finesse, Poesie elegant in Musik zu übersetzen und schließlich Erik Satie, der mit seinen visionären musikalischen Ideen und seinem herrlich skurrilen Humor zum Wegbereiter des Surrealismus geworden ist.

Gemeinsam mit dem Pianisten Jean Lemaire hat sie für diese CD 28 Musik gewordene „Edelsteine“ dieser Komponisten ausgewählt, die einen klanglichen Einblick in das französische „Fin de Siècle“ geben.

Durch die Kooperation mit Chopard und Vivienne Westwood wurden ganz außer-gewöhnliche Fotos für diese Produktion möglich. Chopard stellte Schmuck im Wert von 2,5 Millionen Euro zur Verfügung und Vivienne Westwood ließ zwei ihrer schönsten Kleider aus ihrer aktuellen Modenschau in Hongkong einfliegen.

Mit José Carreras verbindet Eva Lind eine langjährige Freundschaft – nicht zuletzt durch ihre gemeinsamen Konzerte, Opern- und TV-Auftritte. Deshalb ist es ihr ein besonderes Anliegen, seine Stiftung mit dieser CD zu unterstützen: Ein Euro jeder verkauften CD wird der José Carreras Leukämie-Stiftung gespendet.

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Auf dieser CD haben wir unsere Bearbeitungen von bekannten Pop-Rock, Folk, Klassik und auch ein paar eigene Kompositionen aufgenommen. Wenn man eine instrumentale Bearbeitung von Stücken, die eigentlich auch Texte beinhalten schreibt, besteht die Herausforderung darin, den Text, den man ja dann quasi „verliert“, durch eine gleich bleibende Melodie zu ersetzten. Es gibt nur ganz wenige Lieder, wie zum Beispiel Queens Bohemian Rhapsody, die genug musikalisches Material haben um eine Instrumental-Version interessant zu halten. Deswegen haben wir in den meisten Bearbeitungen auch unsere eigenen musikalischen Ideen verwendet und hoffen, dass dadurch bekannte Songs frisch und original klingen. Wir stellen Dinge gerne auf den Kopf.  Ein Intro im barocken Stil zu „Sweet Home Alabama“ oder Gitarren-Perkussion und rockige Improvisationen im „Vivaldi Stormed“ sind auf dieser Scheibe keine Seltenheiten. (Katona Twins)

Die Zwillingsbrüder Peter und Zoltan Katona sind nicht nur eines der besten klassischen Gitarrenduos der Welt, sie haben auch die traditionellen Grenzen ihrer Besetzung längst gesprengt und begeistern auch im Crossover Bereich mit einer einzigartigen Bühnenpräsenz, technischer Brillanz und ihren populären Stilrichtungen.
Die Katona Twins spielten in vielen großen Konzertsälen weltweit, unter anderem in der Carnegie Hall in New York, in der Wigmore Hall und Royal Festival Hall in London, der Kölner und Berliner Philharmonie, in der Alten Oper in Frankfurt, in der Suntory Hall in Tokio, im Tschaikowski Konzertsaal in Moskau und im Concertgebouw in Amsterdam.

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„Es war schon immer mein Traum die zwei großen ‚Golds‘, zwei meiner Lieblingskomponisten auf einer CD zusammen zu präsentieren. Die leichten, klassisch-duftigen Wien-Klänge von Goldmark, und die raffinierten, ‚Oscar‘ gekrönten Hollywood-Melodien von Korngold haben einiges gemeinsam – sie entfalten zusammen gehört eine fast magische Wirkung.

Ich war schon als Kind fasziniert, wenn ich den Namen Carl Goldmark hörte. Der Saal der Jüdischen Gemeinde in Budapest in dem ich meine ersten Auftritte absolvierte trägt seinen Namen, den des größten ungarisch-jüdischer Romantikers Goldmark. Ich wollte unbedingt seine Musik spielen. Zu seinen Lebzeiten wurde er von Johann Strauss, Brahms und Mahler höchst respektiert – heute nun werden seine Werke leider sehr selten gespielt.

Auch Korngold habe ich als Kind unbewusst lieben gelernt, als ich mit meinem Vater am Sonntagnachmittag leidenschaftlich Errol Flynn Filme – vor allem in seiner Paraderolle als Robin Hood – angeschaut habe. Er hat mir über das Wunderkind aus Wien erzählt, das wegen seiner Abstimmung nach Hollywood fliehen musste.
Beide teilten als Komponisten jüdischer Abstammung das Schicksal der Vertreibung und damit verbunden die Verbannung ihrer Musik.“ – Orsolya Korcsolán

Geigerin Orsolya Korcsolan wurde in einer jüdischen Familie in Budapest geboren. Sie hat ihre Studien nach Sir Georg Soltis Empfehlung in New York auf der Juilliard School mit Auszeichnung abgeschlossen. Frau Korcsolan lebt derzeit in Wien, konzertiert Weltweit als Solistin und Kammermusikerin und widmet sich neben ihre Konzertauftritte der Forschung jüdischer Komponisten und Themen in der klassischen Musikliteratur.

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J. S. Bachs schöpferisches Potential als Komponist war so groß, dass es kaum eine bedeutende Werkgattung gibt, der er sich nicht mehrmals annahm. Die dadurch entstandenen, bedeutenden Instrumental-Zyklen sind es, die seinem Namen – neben den großen oratorischen Werken – die unbestreitbare Wucht und Omnipotenz verleihen. Eine dieser Reihen ist sein opus 1, das Bach drucken ließ, als er bereits 46 Jahre alt ist: Sechs Partiten für Klavier solo. Man kann annehmen, dass Bach die Wahl dieses Werkes als Opus Primum sehr sorgfältig vornahm, enthielt sein Werkkatalog zu dieser Zeit doch bereits die meisten seiner einzigartigen Meisterwerke.

Johannes Brahms Klavierschaffen zeigt eine deutliche zeitliche Zweiteilung. Die großen frühen Klavierwerke wechseln zwischen sinfonischem Anspruch und natürlich Liedhaftem, ihr genereller konzertanter Anspruch erfüllt sich in den hochvirtuosen Paganini-Variationen. Daneben gibt es das Spätwerk, das Werk am Ende eines Weges in die individuelle Vollendung, der Einswerdung von persönlichem Wollen und geistigem Potential.

Nishimoto-Neubert solistisches Repertoire umfasst alle Facetten der Klaviermusik, Schwerpunkte setzte sie auf die Musik Bachs, der deutschen Romantik und der klassischen Moderne. Dort findet sich jene figurative und formale Klarheit, die neben der Innerlichkeit einer sensitiven Tongebung auch das Spiel von Miku Nishimoto-Neubert prägt. Eine Kritik ihrer jüngsten Bach-CD spricht von „kapriziöser Feingeistigkeit“ und „meditativer Schau nach innen“. Bei aller technischer Versiertheit ist es die Intensität der geistigen Auseinandersetzung mit Musik, die den Ausnahmestatus ihrer Interpretationen prägt und diese zum Ereignis macht.

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Der Anspruch, ein Künstler zu sein, wird nach meiner Überzeugung erst legitimiert, wenn der Interpret eine persönliche Sicht seiner Darbietungen gewonnen hat.

Bei dieser Sammlung einiger meiner Live-Aufnahmen aus den Jahren 1978 bis 2007 schaue ich auf die Augenblicke ihrer Entstehung mit großer Dankbarkeit zurück.  Darin sind Partien, die meine künstlerische Entwicklung auf der Bühne maßgeblich bestimmt haben, denn sie waren zu der jeweiligen Zeit nicht nur meine Lieblingsrollen, sondern wurden auch mit meiner Identität verknüpft.

Der Nimbus als Mozart-Tenor begleitete mich von Anfang an, prägte Schicksalspartien wie den Tamino und den Belmonte durch die künstlerischen Ritterschläge von Herbert von Karajan und Karl Böhm  und erfuhr seine Krönung im Mozartjahr 1991 mit dem  Idomeneo und dem Tito. Mir war immer klar, dass sich meine Stimme nur eine begrenzte Zeit im lyrischen Fach aufhalten würde, denn die dunkle Farbe des Timbres, die Explosivität der Spitzentöne und nicht zuletzt das Volumen signalisierten sehr früh, dass sie an Gewicht gewinnen würde und ich sie besonnen in das geeignete, schwerere Repertoire steuern müsste. Von den romantischen Helden der französischen über die Spinto-Rollen der italienischen Oper hinaus, bestimmte ich den Lohengrin als Ziel meiner Planung.

Mit dem mit Skepsis erwarteten Rollendebüt 1990 feierte ich einen meiner größten Triumphe. Der Schwanenritter offenbarte mir – in meiner mittlerweile über 40-jährigen Sängerkarriere – Dimensionen, die einzigartig blieben.  (Francisco Araiza)

www.franciscoaraiza.com

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Das Barockensemble der Wiener Symphoniker wurde 1989 gegründet, um in der Barockkirche Maria Bildstein eine Konzertreihe mit hochrangiger Barockmusik im Rahmen der Bregenzer Festspiele zu begründen. Diese Konzerte entwickelten sich im Lauf der Jahre zu einem echten „Publikums-Hit“. Das Ensemble wurde auf Grund dieser Erfolge auch eingeladen, den Festgottesdienst „100 Jahre Wiener Symphoniker“ im Juli 2000 in Bregenz zu spielen und gastierte 2003 bei der Schubertiade Schwarzenberg. Dolf Peter Oebbecke hörte das Ensemble im Sommer 2003 in Bildstein und engagierte es sofort für Triberg.

Das Besondere an dem Ensemble besteht darin, die Spielweise und Phrasierung des Barocks mit den klanglichen Möglichkeiten heutiger Instrumente zu verbinden und so eine einzigartige Klangkultur zu entwickeln. Das CD-Projekt: “FIORI MUSICALI TRIBERG“ ist für alle Mitglieder des Ensembles eine große Freude und zugleich eine besondere künstlerische Herausforderung. Durch die gezielte Auswahl der Solo-Instrumente hat jede CD ihre eigene programmatische Ausrichtung und ihre unverwechselbare Gestalt.