Ensemble fünf&fünf & Ulrich Zeitler (Composer) – novembrig. 9-teiliger Zyklus nach Gedichten der Schweizer Lyrikerin Elsbeth Maag

novembrig die Sehnsucht

Der Gedichtzyklus «novembrig» der Schweizer Lyrikerin Elsbeth Maag beschreibt das Natürliche des Sterbens und Todes als eines selbstverständlichen Stadiums im immerwährenden Prozess von Werden und Vergehen. In anschaulichen Bildern nähert sich die Dichterin dem bevorzugt verdrängten Thema – zart-behutsam und ermutigend. Es gelingen ihr Verse von betörender Sinnlichkeit, versöhnlich und zugleich das Geheimnis wahrend.

Ulrich Zeitlers Vertonung von 2021/22 wurde angeregt durch den Schweizer Kulturförderer Alois Bischof. Grundlage ist die von der Dichterin 2017 verfertigte hochdeutsche Fassung des 1997 in Schweizer Mundart geschriebenen Textes. Zeitlers Komposition lässt sich inspirieren durch den Reichtum an Farben und Bildern, den die kraftvoll-knappen Worte der Lyrikerin im Leser erwecken. Sie hört und spürt hinein in die atmosphärische Dichte, in das nicht Sagbare zwischen den Zeilen. Aus den vielen Schichten des Themas entsteht ein Kosmos an Klängen, der das Schwere leicht werden lässt.

www.novembrig.ch

Serra Tavsanli – Johann Sebastian Bach „Inner Spaces“

Das Album „Inner Spaces“ ist das inzwischen dritte Album der aus Istanbul stammenden Pianistin Serra Tavsanli. Mit großer Sicherheit kann man behaupten, dass es ihr persönlichstes Album ist. Mit den hier aufgenommenen Werken von Johann Sebastian Bach präsentiert sie nicht nur eine meisterliche Interpretation auf modernem Flügel, sondern verbindet die Musik auch mit ihrer eigenen Geschichte und Herkunft. Dabei offenbart sie ihr Innerstes und gewährt Einblick in sehr persönlichen Gedankenräume.

Anhand der Initialen B A C H hat Serra Tavsanli die zur Tonart passenden Stücke ausgewählt. Mehr noch, denn im Beiheft des Albums schreibt sie: „Stücke, die für mich für unterschiedliche Begriffe stehen, die das Menschsein ausmachen und in allen Traditionen und Religionen eine Rolle spielen:

B (Partita in B-Dur) symbolisiert den Glauben.

A (Partita in a-Moll) steht für die Hoffnung.

C (Toccata c-Moll) steht für die Liebe.

H (Französische Ouvertüre in h-Moll) symbolisiert unsere Gegenwart.

Mit dieser Auswahl holt die Pianistin ihr Publikum direkt hinein in ihre Gefühlswelten, in ihre „Inner Spaces“. Heute ist Serra Tavsanli, die nach ihrem Studium in Hannover inzwischen selbst eine Lehrstelle an der Hochschule für Musik in Detmold innehat, eine starke, selbstbewusste und emanzipierte Frau und Pianistin. Das war aber nicht immer so. Ihre Kindheit in Istanbul beschreibt sie als „Ort voller Regeln und Verbote“. Schon im Alter von fünf Jahren erkannte sie, dass nur die Musik ihr ein Gefühl von Freiheit geben kann – allerdings war es auch ein einsamer Ort, den sie mit niemanden teilen konnte. Besonders die Kompositionen von J. S. Bach boten ihr einen musikalischen Zufluchtsort. Mit 10 Jahren besuchte sie zum ersten Mal Deutschland, auch wieder ganz allein. Ein Land, das ihr fremd war, dessen Sprache sie weder verstehen noch sprechen konnte, dass aber eine Verbindung zu der Kultur hatte, die sie so liebte. Und so wurde die Klassische Musik zu ihrer zweiten Muttersprache. In dieser Sprache konnte sie sich mühelos verständigen, Gefühle ausdrücken und sich weiterentwickeln. Die Werke von J. S. Bach bekamen so eine noch größere Bedeutung für sie. Manchmal betrachtete sie Bach sogar als ihren „imaginären Mentor“. Dies spürt man schon bei den ersten Tönen dieser Aufnahme: Serra Tavsanli hat sich tief in die Welt von Bach hineingewagt und geht beim Spiel völlig darin auf. Auf eine gewisse Art macht sie sich dabei auch in voller Absicht angreifbar und verletzlich. Ihr Spiel ist erzählend, es öffnet Assoziationsräume und ist gleichzeitig mühelos, aber dennoch völlig kompromisslos. Im Booklet schreibt sie dazu: „Ich war plötzlich dort, wo alles gelingt, wo es sicher und frei ist. Ein Ort, der für jeden zugänglich ist, und wo Herkunft, Religion, Hautfarbe oder Geschlecht keine Rolle mehr spielen. Ein Ort, an dem wir nicht allein sind.“

Andrea Kauten: Brahms – The Piano Concertos. Württembergische Philharmonie Reutlingen / Timo Handschuh

„Es war schon lange mein Wunsch, beide Klavierkonzerte von Johannes Brahms aufzunehmen. Ich konnte dabei auf viele Erfahrungen aufbauen, um mich jetzt zu diesem Zeitpunkt noch mehr für die Essenz dieser Werke zu öffnen, die mich in meinem tiefsten Inneren bewegen. Beide Werke haben für mich etwas unglaublich Großes, was in meiner Wahrnehmung kaum noch steigerbar ist. In jedem der beiden Konzerte fasziniert mich die riesige Klangfülle, die Intensität, aber ebenso die schier unbegrenzte emotionale Bandbreite. Hochdramatische Entwicklungen münden in spielerische Leichtigkeit. Immer wieder gibt es sehr nachdenkliche Momente, bestimmt von tiefer Abgeklärtheit. Vor allem in den langsamen Sätzen der beiden Konzerte begeistern mich diese Passagen, die einen schon etwas über die Welt von der wir wissen hinaus blicken lassen. Die Ungarin in mir spürt natürlich auch viele ungarische Einflüsse. Die Beschäftigung mit den beiden Konzerten im Rahmen der vorliegenden Aufnahmen zusammen mit der Württembergischen Philharmonie Reutlingen hat mir die oben genannten Aspekte wieder neu vor Augen geführt. Die Einsichten erweitern sich hier ein ganzes Leben lang. Abgeschlossen ist dieser Prozess nie. Dafür ist die Kathedrale zu groß.“

Andrea Kauten

Nuno Côrte-Real & Orchestra Sinfonica di Milano – Rock Symphonies

Rock Symphonies ist eine Sammlung von fünf symphonischen Werken, komponiert zwischen 2011 und 2018, von unterschiedlichem Charakter und Dauer. Der Begriff Symphonies wird hier nicht in der Bedeutung einer musikalischen Form verwendet, sondern in seinem griechischen, ursprünglichen Sinn, von gleichzeitig ertönenden Klängen, und der Bezugnahme auf orchestrale Klangfarben. Noch ungewöhnlicher ist der Begriff Rock, zudem der Titel des ersten, hier präsentierten Werkes, der den populären Kosmos des Rock and Roll einbezieht, in dem energetisches Gefühl und nicht Stil, dem Hörer ungezähmt abverlangt werden.

Nuno Côrte-Real, geboren 1971 in Lissabon, kann als einer der führenden portugiesischen Komponisten und Dirigenten von heute bezeichnet werden. Dementsprechend gewann er den Preis für das beste klassische Werk der portugiesischen Gesellschaft von Autoren in den Jahren 2018 und 2019 mit dem Lieder Zyklus „Now everything changes“ bzw. für die Oper „Bandit Song“. Das Orchestra Sinfonica di Milano wurde 1993 von Vladimir Delman gegründet und wurde unverzüglich zu einem Bezugspunkt für das große symphonische Repertoire in Mailand und in der gesamten Lombardei. Der ständige Veranstaltungsort, das Auditorium di Milano Fondazione Cariplo, am 6. Oktober 1999 eröffnet mit der 2. Symphonie von Gustav Mahler, dirigiert von Riccardo Chailly, gilt als eine der besten Konzerthallen Italiens wegen seiner ästhetischen, technologischen und klanglichen Eigenschaften.

Jean-Nicolas Diatkine – Chopin Piano Sonata No. 3 op.58 & Complete Préludes

Von der Langform zur Kurzform: Dies scheint die Reise zu sein, auf die uns Jean-Nicolas Diatkine in seiner aktuellen CD von Chopins dritter Klaviersonate zu den vierundzwanzig Präludien hinschickt. Doch dieser Eindruck trügt, zumindest zum Teil. Gewiss, die Préludes sind für sich genommen Miniaturen, aber sie bilden auch ein Ganzes, das doppelt so lang ist wie die Sonate. Und sie als Ganzes zu betrachten ist legitim, ja, sogar notwendig. Sie wurden als ein Block niedergeschrieben, dessen Kohärenz in der Abfolge der Tonarten zum Ausdruck kommt. Das erwähnte kohärente Ganze ist allerdings stilistisch durchaus von einfallsreichen vielfältig und abwechslungsreich, und zwar so sehr, dass die einzelnen Stücke Interpreten sogar mit aussagekräftigen Titeln versehen wurden. Dies ist das erste Paradoxon dieses meisterhaften Werks. Das zweite Paradoxon liegt in seinem Titel. Qua definitionem stellt ein „Präludium“ immer die Frage, worauf es einleitet. Die kleine Form erlaubt es uns, das Unendliche zu befragen, denn selbst wenn sie abgeschlossen, eng umrissen und umschrieben ist, bleibt sie unschlüssig, gewissermaßen in der Schwebe wie eine Einleitung, auf die keine Entwicklung folgt. Zweifellos ist die Bezeichnung „Präludium“ auch deshalb interessant, weil wir auf die Frage, worauf es eigentlich zuspielt, keine fertige Antwort haben.

So gesehen ist Jean-Nicolas Diatkines Version der Préludes weder eine Darbietung (auch wenn es sich um eine solche buchstäblich handelt) noch eine Demonstration. Vielmehr beansprucht sie eine bestimmte Eigenschaft für sich: Spontaneität. Die Spontaneität dieses Interpreten ist aber weder ein Eindringen des eigenen Ichs in die Ideen des Komponisten noch der hermeneutische Ersatz für die Inspiration, die das Werk hervorgebracht hat. Nein, seine Spontaneität ist die klarsichtige Kühnheit, an eine Interpretation zu glauben, bei der ein Musiker so sehr in ein Stück (oder in 24) eintauchen kann, dass er sich die Freiheit nimmt, dem Zuhörer zu zeigen, was das Werk ihm offenbart, wozu es ihn geöffnet hat.

Agata-Maria Raatz – „Echo of Bach“ – Violin Solo – Works by Clara Jaz, Paul von Westhoff, Bach, Eugène Ysaÿe

Eine der faszinierendsten Herausforderungen, der sich jeder Geiger stellen kann, ist das Repertoire für Solovioline. In dieser Musikgattung können sowohl der Musiker als auch der Zuhörer auf polyphone Meisterwerke stoßen, die mit minimalen Mitteln – mit nur vier Saiten – dargeboten werden. Diese Stücke tragen oft genauso viel emotionale und musikalische Bedeutung in sich wie Werke, die für ein großes Orchester komponiert wurden.

Diese selten vertretene Kategorie in der Musikliteratur hat die Künstlerin Agata-Maria Raatz immer begeistert. Sie fragte sich, wie es Bach gelungen ist, eine derart bemerkenswert komplexe und anspruchsvolle harmonische sowie formale Struktur in seinen Sonaten und Partiten für Solovioline zu schaffen, welche als zeitlose Meisterwerke außergewöhnlicher Brillanz in jedem Detail gelten. Woher hat er seine Inspirationen bezogen? Welche Musik hat er gehört? Und wer war er als Person?

Bach war nicht nur ein Genie, sondern auch ein Mensch. Denkmäler, die zur Ehrung genialer Persönlichkeiten geschaffen werden, verschleiern oft deren Menschlichkeit, welche nicht nur das Herausragende und Besondere umfasst, sondern auch die Alltäglichkeit und das Prosaische des Lebens.

Das Album „Echo of BACH“ ist ihre persönliche Erkundung durch die Geschichte der Solomusik für Violine und verfolgt ihre Ursprünge von der frühen Barockzeit bis zur Gegenwart. Es ist eine musikalische Reise, bei der J. S. Bach, eine Inspiration für viele Generationen von Komponisten, im Zentrum steht. Auf diesem einzigartigen Pfad inspiriert der große Meister nicht nur, sondern steht auch unter dem Einfluss der Werke anderer Musiker. Unter ihnen befindet sich ein Komponist, der für Bach ein Wegweiser auf seinem musikalischen Weg gewesen sein könnte.  Es ist der Komponist und Geiger Jean Paul von Westhoff. Bach war damals 18 Jahre alt, während Westhoff nur zwei Jahre später im Alter von 49 Jahren verstarb. Die Wahrscheinlichkeit ist hoch, dass sie sich damals trafen und der junge Bach sich mit Westhoffs Werk vertraut gemacht hat. Für ihr Album hat sie die Suite Nr. 5 d-moll ausgewählt.

Neben einem von der Künstlerin speziell für diese CD komponierten Stück unter dem Pseudonym Clara Jaz finden wir auch das Werk „Cette âme a six ailes tout comme les Séraphins“ (Diese Seele hat sechs Flügel wie die Seraphim) das vom Schweizer Komponisten Xavier Dayer speziell für Agata-Maria Raatz komponiert wurde.

Backcover & Streaming/Download

Die Wege der Cellistin Nargiza Yusupova und der Pianistin Polina Spirina kreuzten sich erstmals 2016, allerdings nicht wie man es noch am ehesten erwarten würde auf den Gängen der Musikhochschulen – kurioserweise auf dem Kinderspielplatz.